戏曲知识 全集
<DIV class=f14 id=read_tpc>四大徽班<BR>中国清代乾隆年间北京剧坛4个戏班。即三庆班、四喜班、和春班、春台班。多以安徽籍艺人为主，故名。乾隆五十五年（1790），为给乾隆帝弘历祝寿，从扬州征召了以戏曲艺人高朗亭为台柱的三庆班入京，是为徽班进京演出之始。之后又有四喜、启秀、霓翠、和春、春台等安徽戏班相继进京。在演出过程中，6个戏班逐渐合并为四大徽班。时值京腔（高腔）、秦腔已先行流入北京，徽班在演唱二簧、昆曲、梆子、啰啰诸腔的基础上，兼容并蓄，出现了“四徽班各擅胜场”的局面。嘉庆、道光年间，汉调（又称楚调）进京，参加徽班演出，徽班又兼习楚调之长，为汇合二簧、西皮、昆、秦诸腔向京剧衍变奠定了基础。因此，四大徽班进京，被视为京剧诞生的前奏，在京剧发展史上具有重要意义。清末，四大徽班已相继散落。</DIV><DIV class=f14> </DIV>
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<DIV class=f14 id=read_518721>板式变化体<BR>中国戏曲音乐的一种结构体制。它与曲牌联套体并列，构成了中国戏曲音乐的两大结构体制。它以一对上、下乐句为基础，在变奏中突出节拍、节奏变化的作用，以各种不同板式（如三眼板、一眼板、流水板、散板等）的联结和变化，作为构成整出戏或整场戏音乐陈述的基本手段，以表现各种不同的戏剧情绪。它源于民间音乐的变奏方法，具有鲜明的民族特点。兴起于梆子系统，而为皮簧系统丰富和发展，并为近代兴起的众多剧种所广泛采用。<BR><BR> 在各类板式中，原板具有特殊的地位，一切板式变化都是从原板中衍化派生。原板为中庸速度、句幅中等、拖腔不多的一板一眼的板式，如将乐句的速度减慢，句幅扩充，增加旋律的华彩，并大幅度运用拖腔，这就产生了一板三眼的慢板类板式。倘若速度加快，句幅缩短，节奏紧促，这就形成了有板无眼的流水板或快板类板式。板式的转换方法大致为：①在前一板式的唱腔告一段落后，再转为后一板式；②在前一段唱腔的中途，直接由前一板式转入后一板式。<BR><BR> 戏曲音乐正是运用扩板加花、抽眼浓缩、加头扩尾、放慢加快、翻高翻低、移宫犯调等各种板式变化，用以刻画人物性格，烘托气氛，点染环境。</DIV>
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<DIV class=f14 id=read_518724>京剧中的“七行七科”各指什么？<BR>京剧班社旧有“七行七科”之说：七科为音乐、剧装、容妆、盔箱、剧通、交通、经励；七行即生行、旦行（亦称占行）、净行、丑行、杂行、武行、流行。<BR><BR><BR><BR><BR><BR>戏曲四大声腔系统详解<BR>梆子腔<BR><BR> 梆子腔因以硬木梆子击节为特色而得名。源于明末陕西、甘肃一带的西秦腔，它是戏曲中最早采用板式变化结构的声腔。西秦腔与各地方言和音乐结合，逐渐衍变成诸多的梆子腔支系，其中历史最早、影响较大的是陕西的同州梆子和山西的蒲州梆子（今蒲剧），之后又有秦腔、汉调桄桄、中路梆子、北路梆子、豫剧、山东梆子、河北梆子等。它除以硬木梆子击节外，还以板胡为主奏乐器；其调式多为徵调式，唱腔为上下句式，多有华彩流畅的花腔乐句为辅；曲调以七声音阶为主，旋法上多跳进，常用闪板，整个音乐风格高亢激越，悲壮粗犷。<BR><BR> 梆子腔系的板式，一般剧种均为8种。其中有正板5种：原板、慢板、流水、快流水、紧打慢唱；另有辅板3种：倒板、散板、滚板。河南梆子分得更细，如慢板又包括金钩挂、迎风板、连环扣。秦腔的音阶和调式的特色，在各梆子腔系剧系剧种中较为突出，所有板式（除滚唱外）均有欢音和苦音两种变化，从而丰富了调式色彩。山西的上党梆了则更多地运用了五声音阶及其移宫技法，在北方梆子腔系中别具一格。<BR><BR> 梆子腔的代表剧种有：秦腔、豫剧、晋剧、蒲剧、河北梆子、山东梆子、滇剧的丝弦腔、川剧的弹戏等。 皮黄腔<BR><BR> 皮黄腔是“西皮”和“二黄”的合称。西皮起源于秦腔，二黄是由吹腔、高拨子演变而成。在有些剧种中，二者被分称为所谓“北路”、“南路”，合称“南北路”。清初时西皮是汉调的主要腔调，二黄是徽剧的主要腔调。以后随徽汉合流演变成的京剧在各地的流传，西皮、二黄对许多南方剧种产生影响，逐步发展成一些新剧种，形成一种声腔系统。但由于京剧在皮黄系统中流传最广，因此“皮黄”的称谓有时也专指京剧。<BR><BR> 尽管由于受各地语音和民间音乐的影响，皮黄腔各剧种的音乐各具特色，但其共同之处却很明显：唱词格式均沿用七言或十言的对偶句式；都用胡琴作为主奏乐器。 皮黄腔系大概有20多个剧种，主要有：徽剧、汉剧、京剧、粤剧、湘剧、川剧、桂剧、赣剧、滇剧等。<BR><BR> 昆腔<BR><BR> 昆腔又名“昆山腔”、“昆曲”、“昆剧”。详细介绍在这里。<BR><BR> 高腔<BR><BR> 高腔系统包括由明代弋阳腔演变派生的诸声腔剧种。关于它的起源有多种说法：一是由元明以来弋阳腔或青阳腔同各地戏曲结合而成的，另一说法是除弋阳腔外，也有由当地民间曲调直接产生的。它的特点在于只用锣鼓等打击乐器敲击，不用管弦乐伴奏；台上一人唱，台后众人帮腔；音调高亢，富有朗诵性。<BR><BR> <BR>属于此系统的剧种有：川剧、湘剧、赣剧、滇剧、辰河戏、调腔等。</DIV>
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<DIV class=f14 id=read_518726>戏曲的表演特性<BR>1、综合性<BR><BR> 唱：是戏曲演出中剧中人物进行内心情感抒发或叙事的主要方式，根据不同的剧种，采用不同的音乐形式。就唱词而言，一般可以分为两种类型，一为曲牌体，如昆曲、高腔等；一为板腔体，如京剧、评剧、各类梆子戏等。<BR><BR> 念：是戏曲演出中对人物间的对白或独白的总称，是一种诗歌化、音乐化的戏剧语言。一般的剧种所用念白与剧种所在省份的地方音大致相同。京剧念白有京白、韵白之分，前者用湖广音、中州韵，后者用北京方音稍加变化。昆曲则用韵白或苏白。 <BR><BR> 做：是对戏曲演员的身段、表情、气派、风度等表演的总称。是戏曲表演的主要组成部分，也是舞台行动的主要组成部分。戏曲的做，多为程式性的动作，大都写意。<BR><BR> 打：指戏曲中对点头场面的表现手段，也叫“开打”，有时表现两人的对打，有的则是集体的战争场面。戏曲的开打具有极强的舞蹈性、程式性和表现性，也多写意而非写实。<BR><BR> 2、写意性<BR><BR> 舞台布置的写意——一桌二椅：中国戏曲传统舞台用一句话概括，即为简约，也可以称之为写意。它没有繁复的舞台布景，没有眩目的舞台装置（当然，上海二、三十年代兴起的机关布景是另一种戏曲舞台的样式，不过那是对西方戏剧舞台吸收的结果），它上面只有简单的桌椅，甚至空旷的舞台。戏曲舞台上的桌椅按照不同的用途有不同的含义，有时桌椅即为桌椅，如表现厅堂、书房、官府大堂、金殿等环境。有时桌椅则不是桌椅，桌子可以做床，可以做山；椅子可以做窑门，可以做井。桌椅具体指什么，起决定作用的是演员表演。在某种程度上，它可以无所不指。<BR><BR> 人物化妆的写意——戏曲脸谱：中国戏曲人物的化妆也是写意的，用一句话概括，即为“公忠者雕以正貌，奸邪者刻以丑形”，其目的在于“盖亦寓褒贬于其间耳”（清末王国维语），而最集中的表现是戏曲的脸谱。脸谱的象征意义总体来说是“红忠白奸”，所以奸臣如曹操者多勾白脸，忠勇似关羽者多涂红色。此外，性情暴躁者多勾兰脸，刚正无私者多用黑脸，喜兴者勾笑脸，愁苦者勾哭脸。脸脸鲜明，人人生动，观众睹脸则知其人，这是戏曲简便的一面，也是它形象的一面。<BR><BR> 人物服饰的写意——长袖善舞：中国戏曲服装基本上以明清服装为主要样式，同时参照表现故事的朝代给以一定的变化。它的写意性，表现在它对<BR>季节、时代、地域等服装特点的忽略，它只考虑戏曲服装是否符合人物的身份、地位、年龄等与人物塑造相关的方面。另外，戏曲服装所着重考虑的是它是否适合在戏曲舞台上出现，它是否具有可舞性。戏曲的服装不仅要有装饰性，而且要有可舞性，要在人物塑造上起到它们应起的作用。戏曲的水袖、大靠的靠旗、箭衣的大带、纱帽的帽翅、脚上的厚底等无不具有可舞性，无不参与人物形象的塑造。 舞台行动的写意——有话则长，无话则短：中国戏曲的舞台形动是自由、灵活的，它在这个方面与中国的评书异曲同工，即“有话则长，无话则短”。戏曲舞台上可以用一个“圆场”表示地点的变化，可以用“急三枪”的曲牌表现一个原来曾经提过的丰富内容，这便是“无话则短”，因为这些内容没必要交待，它们与人物塑造和情节表现无益。戏曲舞台上同样也可以用一段长达二十分钟的“慢板”来抒发人物的内心情感；也可让大将在战胜敌人后，用一大段“枪花”或“刀花”表演来抒发他（她）获胜后的喜悦。这便是“有话则长”，因为这些内容对人物塑造和情节表现有益。戏曲舞台行动的长短，不是取决于生活实际，而是取决于人物塑造和情节表现的需要。<BR><BR> 3、程式性<BR><BR> 用程式动作表现生活——生活动作的舞蹈化。<BR><BR> 起霸：其名源于昆曲《千金记·起霸》一出，表现霸王项羽与敌对阵前整盔束甲的准备工作，以后则演变为一套程式动作，专门用来表现将士出征前的准备活动。有男霸、女霸之分，前者阳刚，后者阴柔。 <BR><BR> 趟马：也叫马趟子，表演者手持马鞭表现人物在马上急驰一套程式动作，由古代的“踏竹马”演变而来。<BR><BR> 走边：其名源出山西梆子《白虎鞭·走边》一折，表现身怀武艺的人物轻装潜行的表演程式。常用于侦察、巡察、夜行、暗袭或赶路等特定情境，是武戏演员的基本功之一。<BR><BR> 人物服饰的程式——宁穿破勿穿错。<BR><BR> 盔头：指对戏曲表演中人物头上所戴冠、帽、盔等的总称。<BR><BR> 冠：多指帝王、贵族所戴的硬质礼帽，如紫金冠、凤冠等。<BR><BR> 盔：武职人员所戴的硬质帽子，如帅盔、夫子盔等。 <BR><BR> 巾：为缎制品的软制帽子，有花有素，属于便装。如相巾、文生巾、员外巾等。<BR><BR> 帽：用于不同身份的人物，软硬质均有。如纱帽、罗帽等。<BR><BR>戏衣：指对戏曲表演中所穿戴服装的总称，多具有装饰性、可舞性，不注重写实性，只是对人物身份、地位等方面给以标志性表现。<BR><BR> 蟒：蟒袍的简称。绣云龙、海水纹，为帝王将相的正服，颜色多样，除皇帝为明黄色外，其他人因其身份、地位（官职）、年龄、性格的不同而异。<BR><BR> 靠：又称“甲”，是武将的戎装，有软、硬之分。硬靠需背扎三角形靠旗四面。软靠不扎靠旗。此外还有改良靠。颜色与人物年龄、性格相关。 <BR><BR> 褶：戏衣中用途最广者。为帝王将相的衬衣及平民的便服。分花、素两种。多为斜襟（大襟），男褶子为硬质，女褶子为软质。<BR><BR> 帔：对襟中分。为皇帝、文官的便服和士绅的便服。剧中表现夫妻关系时，多穿花色相配的帔，称“对帔”。<BR><BR> 衣：指贵贱贫富各种角色所穿的服装，如官衣、箭衣、抱衣抱裤、茶衣等。<BR><BR> 戏鞋：对戏曲表演中人物所穿靴鞋的总称。<BR><BR> 靴：也叫“靴子”。传统戏曲中常用的高帮或长帮的鞋，其帮多由棉布或缎制成。有厚底和薄底两种样式。<BR><BR> 鞋：相对于靴而言，指无帮的鞋子。<BR><BR> 4、虚拟性<BR><BR> 空间流变的虚拟：戏曲舞台是一个流动的空间，人物在不断的上下场，也就在不断地表现时间的变迁和地点的更迭。时间变迁的表现方法在于对时间的虚拟，运用演员的演唱和表演去向观众说明。而地点的更迭，即空间的流变，则是通过演员的“圆场”。演员在舞台上走上半个、一个或多个“圆”，即表示了人的从一个地方到达了另一个地方，无论这两个地方的距离是远还是近，只需“圆场”一走，足矣。<BR><BR> 对周边环境的虚拟：戏曲舞台上对周围环境的虚拟的用法是最多的，因为戏曲舞台的表现原则是用最为简单的布景和装置表现尽可能多的内容，所以周围的环境多不在舞台表现范围之内，它们多被虚化，而由演员的行为和演唱去“说明”人物所处的环境。而这种虚拟环境的再现也需要观众的联想力。<BR><BR> 对时间的虚拟：戏曲舞台上的时间是灵活自由的，是对生活时间的虚拟。有的是时间的有意拉长，如大将战胜敌人后的耍枪花或刀花，是用拉长时间或时间暂时停止的办法来表现人物战胜敌人的高兴心情。有的是时间的有意缩短，如一般用一段或几段唱表现一夜的过去，如用“急三枪”的曲牌省略不必要交待的内容。有时是时间的假定，如《三岔口》在灯火通明的舞台上表现黑夜即是。 对动作对象的虚拟：戏曲舞台上人物动作有时具备动作对象，有时则可以将其省略。有的是全部省略，如人物上楼梯，则只做出提衣抬腿上楼的动作，楼梯却是没有的；人物开窗，窗子也被省略了。有的是部分省略，如人物骑马，马被省略了，却还有马鞭；人物行船，船与水被省略了，却还有船桨。这是戏曲简约化的表现，也是虚拟特征的表现。</DIV>
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<DIV class=f14 id=read_518727>中国戏曲的孕育与形成<BR>中国戏曲起源于原始歌舞。<BR><BR> 汉代，在民间出现了具表演成份的“角抵戏”，尤以《东海黄公》为著。<BR><BR> 南北朝时期，民间出现了歌舞与表演相结合的“歌舞戏”，具有了更为浓郁的表演成份，如《拔头》、《代面》、《踏摇娘》等。<BR><BR> 唐代，出现了由先秦时期的优伶表演发展来的以滑稽表演为特点的“参军戏”；民间的歌舞戏进入宫廷，得到了更大的发展；同时在民间又出现了“俗讲”和“变文”等通俗说唱形式。<BR><BR> 宋代，城市商品经济得到长足发展，出现很多市民娱乐场所——“瓦舍”和“勾栏”；民间歌舞、说唱、滑稽戏有了综合的趋势，出现了“宋杂剧”。<BR><BR> 金代，在宋杂剧基础上，北方出现了“金院本”，南方出现了“南戏”。<BR><BR> 元代，北方形成“北杂剧”，南方南戏进一步发展成熟，戏曲形成。</DIV>
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<DIV class=f14 id=read_518729>京剧中旦行是如何分类的？<BR>旦行里最主要的一类是青衣。青衣还有一个名称叫正旦，扮演的一般都是端庄、严肃、正派的人物。大多数是贤妻良母，或者旧社会的贞节烈女之类的人物。年龄一般都是由青年到中年，青衣表演上的特点是以唱工为主，动作幅度比较小，行动比较稳重。念白都是念韵白，一般不念京白，而且唱工相当繁重。从服装上看，青衣穿青褶子为多，所以青衣的另外一个名称也叫青衫，简称衫子。<BR><BR> 青衣表演上的特点是以唱工为主，动作幅度比较小，行动比较稳重。如《白蛇传》最后的一折《祭塔》，《二进宫》里的李艳妃，《三娘教子》里的王春娥，《春秋配》里的姜秋莲，《贺后骂殿》里的贺后，《红鬃烈马》里的王宝钏，《三娘教子》里的王春娥，《汾河湾》里的柳迎春，《六月雪》里的窦娥，《五龙诈》里的李三娘，《大保国》里的李艳妃，《铡美案》里的秦香莲，《宇宙锋》里的赵艳容，《别宫·祭江》里的孙尚香，《春秋配》里的姜秋莲，《法门寺》里的宋巧姣，《浣纱记》里的浣纱女等。<BR><BR> 旦行的第二大类叫花旦。从服装上来说，都是穿裙衣裳。即便是穿长衣裳也绣着色彩鲜艳的花样。从年龄上看，都是扮演青年女性。如《红娘》里的红娘，《打樱桃》里的平心，《花田错》里的春兰，《春草闯堂》里的春草，《红鸾禧》里的金玉奴，《得意缘》里的狄云鸾，《拾玉镯》里的孙玉姣，《柜中缘》里的刘玉莲，《凤还巢》里的程雪娥，《钗头凤》里的唐蕙仙，《梅玉配》里的苏玉莲，《二度梅》里的陈杏元。从表演上来看，花旦是以做工和说白为主。在说白上是以京白为主，人物性格一般都比较活泼、开朗，动作也比较敏捷、伶俐。花旦可以分为闺门旦、玩门旦、泼辣旦、刺杀旦。<BR><BR> 花衫是京剧旦行里的一个重要的行当，这是一种集唱、念、做、打并重的旦行，也就是说，她集中了青衣的端庄严肃，花旦的活泼开朗，和武旦的武打工架。早期的京剧里只有青衣和花旦，没有花衫。花衫的创始人是王瑶卿。他创建的花衫行当，在表演时有唱、有念、有做、有打，再加上后来出现的四大名旦╠╠梅兰芳，程砚秋，尚小云，荀慧生，将京剧旦行表演艺术大大地向前推进了一步。著名的花衫戏，有梅兰芳的《贵妃醉酒》、《霸王别姬》、《廉锦枫》、《花木兰》、《太真外传》、《西施》、《樊江关》(饰薛金莲)、《洛神》、《天女散花》以及《穆桂英挂帅》等；程砚秋的《红拂传》、《沈云英》、《碧玉簪》、《风流棒》、《赚文娟》、《梅妃》、《花肪缘》以及《英台抗婚》等；尚小云的《谢小娥》、《乾坤福寿镜》、《汉明妃》、《林四娘》、<BR><BR>《墨黛》、《摩登伽女》等；荀慧生的《香罗带》、《霍小玉》、《杜十娘》、《荆钗记》、《鱼藻宫》、《红楼二尤》等。 老旦是扮演老年妇女的角色，老旦的表演特点，就是唱、念都用本嗓，用真嗓，但不像老生那样平直、刚劲，而应该像青衣那样婉转迂回。《钓金龟》的康氏，《赤桑镇》的吴妙贞，《望儿楼》的窦太真，《遇皇后》、《打龙袍》的李后等，都属于唱工老旦，专门以唱工为主；而《清风亭》的贺氏，《西厢记》的崔老夫人，《李逵探母》的李母等都属于做工老旦。<BR><BR> 武旦是表演一些精通武艺的女性角色，也可以分成两大类。一类是短打武旦，穿短衣裳，这类的武旦，一般是不骑马的，重在武功，重在说白。还有一种特殊的技巧，就是打出手。短打武旦不太注重唱和表演。如《打焦赞》里的杨排风，《泗州城》里的水母，《打店》里的孙二娘，《无底洞》里的白鼠精，《摇钱树》里的张四姐，《三岔口》里的店主婆等。另一类是长靠武旦，就是妇女也穿上大靠，顶盔贯甲。这样的角色，一般都是骑马的，拿着一把尺寸比较小的刀，所以有个专门名词叫刀马旦。刀马旦和武旦也有一些区别。刀马旦一方面要有很好的武功，同时还得长于做工，而且有时候说白、工架都很重要。刀马旦的戏，有《穆柯寨》、《穆天王》、《破洪州》里的穆桂英，《佘塘关》里的佘赛花，还有《棋盘山》里的窦仙童，《三休樊梨花》里的樊梨花，《珍珠烈火旗》里的双阳公主，《扈家庄》里的扈三娘等。<BR><BR> 彩旦俗称丑婆子，以做工为主，表演、化妆都很夸张，是以滑稽和诙谐的表演为主的喜剧性角色。这类角色有的是用来讽刺愚蠢和自作聪明的人，如《凤还巢》里的大姐程雪雁，《西施》里的东施等。有的是表示性格爽朗、粗犷、豪放的妇女，如《串龙珠》里的花婆，《四进士》里的万氏，《铁弓缘》里陈秀英的母亲等，还有的是塑造了风趣、诙谐的艺术形象，如《拾玉镯》里的刘媒婆等。</DIV></DIV></DIV></DIV></DIV></DIV> 京剧中丑行是如何分类的？
京剧丑行中分为文丑（分方巾丑、袍带丑、老丑、茶衣丑，并兼演彩旦、婆子）、武丑（又称开口跳）等。
丑行都是在鼻梁上用白粉涂一个粉块。这白粉的块，也有几种不同的形状，有的是方的，有的是元宝形或是倒元宝形，叫作腰子形，还有的是枣核形，根据不同的人物，画不同形状和大小的白粉块。丑行中，有些是扮演阴险狡猾、贪鄙自私的角色，有的是扮演机警、伶俐、幽默的角色。在传统戏里，一般社会地位不高的劳动人民，像渔夫，农夫，樵夫，酒保，打更的，守夜的，差役，书童，乞丐等等，大部分都由丑角来扮演。而从性格上来说，这些人多半都是很滑稽，很活泼，很乐观的人。比如《女起解》里的崇公道。就是很忠厚、善良，有正义感的老差役；《秋江》里的老船夫，就是助人为乐的，很有风趣的老人；《三岔口》里的刘利华，是个嫉恶如仇，见义勇为的小店主；《挡马》里的焦光普，则是个忍辱负重，勇敢机智的爱国志士，这些都是由丑角来应的。
方巾丑，头上戴着一顶方巾，身上穿着褶子，有的手里还拿着把扇子，迈着四方步，举止缓慢文雅。一般是一些有文化的人，这些角色表面上文质彬彬，可是带点迂腐的酸气，例如《群英会》里的蒋干、《乌龙院》里的张文远等。第二种是袍带丑，指扮演的是官阶比较低的小官，戴着纱帽，穿着官衣，例如《审头刺汤》里的汤勤、《六月雪》里的山阳县知县等，都属于这类角色。
茶衣丑。茶衣就是短的蓝布褂子，术语叫茶衣。茶衣丑扮演的都是劳动人民角色，例如《秋江》里的艄翁、《芦中人》里的渔翁、《问樵闹府》里的樵夫、《骆马湖》里的酒保、《打樱桃》里的秋水等。
武丑要善于念白和武功。这样的角色要求武功精湛，动作轻灵敏捷。性格诙谐、机智。像《连环套》里的朱光祖、《雁翎甲》里的时迁。
京剧的形成
清初，京师梨园的昆腔与京腔（又称高腔，源出弋阳腔）并盛。乾隆四十四年（1779）秦腔演员魏长生自四川进京，以《滚楼》一剧名动京师，京腔大为减色，竟“使京腔旧本置之高阁”。乾隆五十五年（1790）扬州的三庆徽班进京，逐渐吸收了京、秦二腔。四大徽班遂独擅梨园，因此京剧的前身即为徽剧，通称皮簧戏。原来的徽剧以唱二簧调为主，兼唱昆腔、吹腔、四平调、拨子等，待到道光年间汉调进京，于是形成徽、汉合流，促成湖北的西皮调与安徽的二簧调融合，皮簧戏由此而得名。
皮簧戏的兴起，为剧坛带来了新气象，首先是原来以旦角为主的戏班，一变而为生角掌班，程长庚、张二奎、余三胜就是其中的代表。其次是演出场所增多，宫廷、剧场演出频繁，由于晚清慈禧太后的偏爱，宫中民籍教习近百人，几乎网罗了北京所有的名角。再次是专门培养演员的科班出现，造就了一大批有成就的演员，谭鑫培就是其中的杰出代表。他在前人成就的基础上，对皮簧戏进行了全面大胆的革新，使之面貌一新。谭鑫培不仅丰富唱腔，而且改笛子为胡琴，统一伴奏乐器。他能文能武，长于身段做工，把老生的“安工”、“靠背”、“衰派”三功备于一身，成为一个真正的“文武昆乱不挡”的演员。谭鑫培的另一个突出贡献就是统一了当时舞台上所使用的字音，把原来的皮簧戏中京音、吴音、徽音、湖广音混杂局面，改革为以湖广音夹京音读中州韵的方法，成为后来京剧字音的标准。从这个意义上说，谭鑫培正是京剧的创始者之一。
光绪、宣统年间，北京皮簧班接踵去上海演出，因京班所唱皮簧与同出一源的安徽皮簧声腔不同，更为悦耳动听，为把两者区别，遂称京班为京调。辛亥革命之后，上海梨园全部为京班所掌握，于是称京皮簧为京戏（一度称为平戏）。“京戏”一名，实创自上海，而后流传到北京。
京剧艺术在文学、表演、音乐、唱腔、锣鼓、化妆、脸谱等各个方面，经过几辈优秀艺人的长期舞台实践、执著探索、大胆革新创造，构成了一整套相互制约、相得益彰的格律化和规范化的程式，创造舞台艺术形象既丰富多采，又用法谨严，使之成为代表民族传统文化的瑰宝。京剧作为表演艺术的最大特色，在于虚实结合，最大限度地超脱了舞台空间和时间的限制，以达到“以形传神，形神兼备”的艺术境界。表演精致细腻，处处入戏；唱腔则悠扬委婉，声情并茂；武戏不以勇猛火爆取胜，而以“武戏文唱”见佳，所有这些成就，在世界表演艺术大花园里，不愧是一朵独放异彩的奇葩。
随着京剧艺术的日臻完美，一大批京剧艺术家脱颖而出，除谭鑫培、王瑶卿二位为京剧诞生作出了贡献的代表人物外，老生行的余叔岩、言菊朋、马连良、谭富英、周信芳、高庆奎、李少春等；旦行的梅兰芳、程砚秋、尚小云、荀慧生、张君秋、言慧珠、关肃霜等；净行的金少山、郝寿臣、侯喜瑞、裘盛戎、方荣翔、袁世海等；小生行的程继先、俞振飞、叶盛兰等；武生行的杨小楼、尚和玉、盖叫天等；丑行的王长林、萧长华、叶盛章等；老旦行的龚云甫、李多奎等，都能独树一帜，对京剧艺术的发展起到了承前启后的历史作用。并以他们的艺术才华，使京剧舞台熠熠生辉。
京剧中净行是如何分类的？
京剧净行中分为正净（重唱功 ，称铜锤 、黑头）、架子花（重工架）、武二花、摔打花、油花（一称毛净）。
正净一般是以唱工为主，所以又叫唱工花脸。唱工花脸还有两个专门名称：铜锤和黑头。这两个名称与两个人物有关╠╠徐彦昭和包公。京戏《二进宫》里的花脸徐彦昭，他是典型的唱工花脸，手里拿一柄铜锤，所以人们就把铜锤作为唱工花脸的代名词了。另外，京剧里的包公戏都以唱工繁重见长，例如《打龙袍》、《赤桑镇》、《铡美案》等戏。而且戏里的包公都勾着黑脸，因此黑头也就成为唱工花脸的代名词了。另外，像《草桥关》里的铫期、《白良关》里的尉迟恭、《牧虎关》里的高旺，还有《大回朝》里的闻太师等，都是以唱工为主的花脸戏，都属于所谓正净的范畴。 副净是架子花脸和二花脸的统称。架子花脸的范围特别广，以工架、念白、表演为主。当然也得有点唱工基础。比如《连环套·盗御马》，前半截《连环套·坐寨》是重唱工的，《盗御马》是工架与唱工并重的，最后《拜山》一折又是念白与工架并重的。所以演架子花的人，既要有很深厚的武功底子，又要善于表演，善于念白，还要能唱，并要有优美的工架。架子花脸的剧目相当多，像张飞的戏、牛皋的戏、李逵的戏、焦赞的戏、绝大多数的曹操戏，还有像《失街亭·空城计·斩马谡》里的马谡、《取洛阳》里的马武、《十三妹》里的邓九公、《审潘洪》里的潘洪、《李慧娘》里的贾似道、《群英会》里的黄盖、《法门寺》里的刘瑾、《连环套·盗御马》里的窦尔敦等等都是属于架子花脸的范畴。特别值得说一下的是曹操戏，化妆勾水白脸的，不用一般的油彩，而是用水粉加上一些黑笔道勾成水白脸的，这就是所谓奸臣脸，以曹操为最典型。实际上不止曹操一个人，很多历史上的奸臣，像赵高、董卓、贾似道、严嵩等，都是勾的水白脸。所以水白脸就形成了一种典型，只要勾这种脸，就一定是坏人。这样的角色都由架子花脸来应工。二花脸的戏比较少。虽然也勾同样的脸谱，可是表演风格有时近似丑角，有时候还扮演一些诙谐狡猾的角色。例如《法门寺》里的刘彪、《武松打店》里的大解差这类的角色。 京剧音乐的特点是什么？
京剧唱腔属板式变化体，以西皮、二簧为主要唱腔。西皮的旋律起伏较大，节奏紧凑，唱腔流畅明快，适合于表现欢快、坚毅的情绪；二簧的旋律则较为平稳，节奏舒缓，唱腔凝重浑厚，更宜于抒发沉郁、悲愤的情怀。
传统戏曲中的一些服饰分类介绍
在我国的戏曲舞台上，传统戏是经久不衰的一朵奇芭，其服饰是极其丰富多彩的，得到世界各国人民的赞叹。下面仅举出一些传统戏中的服饰以作参考。
皇帽
──戏曲盔帽。也叫“王帽”或“堂帽”。为剧中皇帝专用之礼帽。帽形微圆，前低后高，金底，上铸金龙，缀黄色绒球，后有朝天翅一对，左右各挂黄色大穗。
纱帽
──戏曲盔帽。帽形微圆，前低后高，纯黑色。两旁插方翅者，为生角扮演的忠正文官所戴。如《群英会》中的鲁肃；插尖翅者为净角扮演的奸邪者所戴。如《四进士》中的顾读；插圆翅者为丑角扮演的文官所戴。
蟒
──戏曲服装。圆领、大襟、大袖、长及足，满身纹绣：上为云龙，下为海水，为传统戏曲中帝王将相的公服。又有男蟒、女蟒之分。女蟒较短，绣龙凤，为后妃、贵族妇女所穿。
一般说来，皇帝穿黄色蟒袍；臣僚所穿，以红蟒为贵重；性格粗豪者服黑蟒、蓝蟒；年轻俊雅者服白蟒、粉色蟒；年长者服古铜色或香色蟒。无论穿男蟒、女蟒，都要腰围玉带。
官衣
──戏曲服装。传统戏曲中的文官服，样式与蟒同，圆领大襟，无满身纹绣，只在胸前和后心有方形补子各一块，上绣仙鹤等飞禽，颜色有紫、红、蓝、黑等。依官阶大小分别，宰相、国老等着紫色，巡按、府道等着红色，知县等着蓝色，黑色则为驿丞门官穿用，又称素服。女官衣较男官衣稍短，颜色有红、秋香色2种。红官衣为一品夫人穿用，也作为传统的结婚礼服。
箭衣
──戏曲服装。圆领、大襟、马蹄袖或敞袖，前后开衩齐腰，长及足。原为清代官服，用于戏曲舞台则上自皇帝、高级将领，下至一般武士，绿林人物皆可穿用。分龙箭（上绣龙纹、下绣海水）、花箭（上绣团花）、素箭。龙箭为皇帝及高级将领穿用；花箭为一般武将穿用；素箭有黑、蓝等色，为公差、老军穿用。
靠
──戏曲服装。又称“甲”。传统戏中武将的装束。圆领、紧袖、长及足，分前后两片，上下及两肩绣鳞纹或丁字纹，中部靠肚略阔，硬里、凸起，绣虎头纹或龙纹，背间有一虎头形的背虎壳，上可插四面三角形靠旗，腿部有两块护腿，为靠牌。靠有软、硬两种，软靠不用靠旗。依剧中人物的性格、身份、年龄和脸谱区分靠的颜色。女靠自腰及足缀有彩色飘带数十根，胸前加护心镜。
翎子
──传统戏曲中剧中人物所戴盔帽上的饰物，即雉尾。成对插于盔头两侧，可增加美观，演员用以表演各种优美的舞蹈动作，表现人物的思想感情。用于传统戏中番王、番将、山大王、妖精等。有些英武的青年将领，如吕布、周瑜等也戴。 盔头
──传统戏曲中剧中人物所戴各种冠帽的通称。大体分为冠、盔、巾、帽四类。冠为帝王、贵族的礼帽；盔，为武职人员所戴；巾，多为软质，属于便服；帽类比较复杂，自皇帽至草帽，名目繁多。与盔头配合戴用的还有许多附件，如驸马翅、翎子、狐尾等。盔头按人物身份、性别、年龄等的不同而分别使用。
靴
──传统戏曲常用的高帮或长帮的鞋。种类繁多，有高方、朝方、快靴、虎头靴等。高方即厚底靴，高腰，方头，底厚二、三寸，黑缎面，白底，为生、净角色穿蟒、官衣、靠等作庄重威严打扮穿用。朝方底稍薄，一般为丑扮官员、文人穿用。快靴半高腰，薄底。虎头靴前端饰有虎头纹，多为武生穿用，便于开打。
罪衣罪裙
──一种戏曲服装。也叫罪衣裤。立领、对襟、普通袖，红色，布质，为传统戏曲中的罪犯专用服装。
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