中国画——诗、书、画、印的统一体
绘画是中国传统艺术中的重要门类，从新石器时代彩陶文化中的绘画遗存算起，迄今已经有几千年的发展历程了。其中成就最大、对中国文化艺术影响最深远的是中国画。中国画简称“国画”，它是用毛笔、墨和中国画颜料在特制的宣纸或绢上作画，按照题材可分为人物画、山水画和花鸟画；按照技法可分为工笔画和写意画。在国画成熟以前，中国绘画还有岩画、帛画、壁画等样式。中国画将诗、书、画、印熔铸为一体，是集中了中国传统艺术诸种门类的高度综合的艺术。诗、书、画、印结合，相互辉映，既丰富了画面的内容，又深化了画面的境界，给人以更多的审美享受。
在宋代以前，画面上很少题字；偶然有之，也只是在不显眼的角落里，写着作者的姓名。到了宋代，才有一些诗人兼书法家的画家，在自己的画作上写一段题记或诗歌，说明作画的起因，抒发自己的怀抱。直至元代，画作上开始钤盖印章，于是诗、书、画、印就像四个孪生姐妹一样，形影不离地结合起来了。
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元·赵孟頫《红衣罗汉图》
诗、书、画、印的完美结合，体现出画家综合的艺术修养
中国画中书写画家的名款叫作“落款”，大致相当于西方绘画中作者的签名，表明对作品的所有权。除了画家名款，还可以在作品上写其他的题字：可以写一个题目，一行自己想说的话，或一首诗、一段散文。题字是门很有学问的艺术，不能随随便便，要体现画家的文学修养。题字的内容要与画面有着内在的联系，让观画者通过题字见景生情、抒发胸怀；或者引导观画者以画为桥梁，生发开去，另拓天地，感念历史的浩荡或人生的哲理。除了内容的要求，题字对书法有特别高的要求。书法的风格、字体的选择等，必须与画面统一、和谐，以增加画面的美感。这就对画家提出了更高的要求：他同时也须是一个书法家。
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唐·韩《五牛图》（局部）
宋代，很多文人也纷纷拿起画笔。他们喜欢在画作上题写诗歌，借以引发观画者的联想，深化诗歌的意境。绘画表现的事物直观而具体，但受时间和空间限制，只能选取某一瞬间来描绘。诗则不受时间和空间的限制，可以写事物在不同时间、不同地点的发展变化，天上地下，古往今来，东西南北，自由驰骋，容量比画大得多。诗与画结合，使静止的画面活跃起来，画面的容量膨胀起来。而诗也有了形象的凭借，想象的依托。因此，诗与画的结合使二者交相生辉。
中国画很重视空白的作用，虚实相生；同时又大量运用水墨来表现物象，颜色相对单一。这样，在一幅中国画上钤盖朱红色的印章，就能有效地调节画面的布局，丰富画面的色调。我们看一幅中国画，上面常常有许多印章。这些印章钤盖的位置、印章文字的内容以及印章篆刻的风格，都有特定的讲究。
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现代· 齐白石《蜻蜓戏水图》
画中的空白使人想起茫茫湖水和天边的云，这就是虚实相生的运用。
中国画强调意象的描绘，注重意境的营造。这里说的“象”，指的是客观的物象；“意”，指的是画家的思想、感情、理想。客观物象浸染了画家的思想感情，就带上了主观的色彩，成为画家要表现的艺术形象，这才是“物象”。同样是描绘黄山风景，有人依葫芦画瓢，这只能是表现黄山的“物象”。有人不仅观察到了黄山的外形，并且领悟到了黄山的气质和生命。在他们审美的眼睛里，黄山就像人一样，有飞扬的神情，有雄浑的动势。云和水的流动，或汹涌澎湃，或静水微波，或飞流直下，或清泉细流，都是有生命的。经过审美眼睛的观照，黄山才成为画家笔下的“意象”。在这基础上，画家把种种意象经过集中、筛选、加工、改造，融进自己的审美感受、审美理想，用艺术手法高度概括、充分表现出来，就成为“意境”。有无意境是评判中国画水平高低的一个重要标准。您在欣赏一幅画时，如果在一山一水、一草一木之外引不出更深远的想象，触摸不到画家的脉搏，这就是画家的失败了。
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现代·张大千《庐山图》（局部）
庐山这个“ 物象” 经过画家的提炼，成为画家笔下的“意象”。
中国画最基本的造型方法是笔墨。生动的笔墨是中国画的绘画语言，它讲求笔法和墨法的美，讲求笔情墨趣。熟悉了西方绘画语言的朋友，刚刚接触中国画时常常不容易看懂，原因就是两种绘画体系运用的“语言”不同。西方绘画以色彩见长，用的是油彩、水彩、油画笔、水彩笔。它要求画家有一双对色彩非常敏锐的眼睛，以色彩为媒介，用丰富的色彩表达描绘的对象。中国画则以线条见长，用的是中国的笔、墨、纸、色。它要求画家头脑中有无穷的诗情画意，以毛笔、墨、宣纸、中国画颜料为媒介，以意成象。生动的笔墨不但描绘出具体的物象，也生成抽象的气韵和意境。
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明·徐渭 《牡丹礁石图》笔墨淋漓潇洒，
痛快酣畅，体现出画家水墨画的高度技巧。 文韵皆美纯然天成
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